Лекторий по искусству

Вниманию преподавателей МХК, а также всех любителей искусства

Национальная библиотека им. С.Г. Чавайна ( ул. Пушкина, 28 )

ПРЕДЛАГАЕТ слайд-программы:

1. Ян Ван Эйк (1390-1441) 

Имя гениального нидерландского художника 15 века стало символом Северного Возрождения. Его великое творение «Гентский алтарь» — первое произведение изобразительного искусства, выполненное в технике масляной живописи. На двадцати шести его створках художник в необычайно убедительной форме воплотил современные ему представления о мироздании; божественное и человеческое начала сливаются здесь в нерасторжимое гармоническое единство.

2. Ян Вермер Дельфтский (1632-1675)

Один из самых прославленных живописцев 17 столетия. Бесхитростные, на первый взгляд, сюжеты его картин содержат весьма изобретательную в построении фабулу. А секреты удивительного мастерства живописца, оставаясь неразгаданными, не дают покоя художникам. Сальвадор Дали в выведенной им «Табели о рангах» гениев живописи отвел Вермеру первое место. Сегодня весь голландский 17 век иногда именуют веком Вермера. Но так было не всегда. Современники почитали его как непревзойденного мастера, однако, вскоре после смерти художник был забыт. Лишь в середине 19 века имя дельфтского мастера вышло из тени забвения. До наших дней дошло менее 40 произведений Яна Вермера. Его картины стали одними из самых дорогих на мировом художественном рынке. Это породило неслыханное количество подражаний и подделок.

3. Томас Гейнсборо (1727-1788)

Английский живописец и график, крупнейший мастер национальной школы живописи. С именем Гейнсборо связаны наивысшие достижения в области портретной живописи 18 столетия. Восприимчивый, тонко чувствующий художник, Гейнсборо не просто создал замечательную галерею образов британских аристократов, военных, актеров, музыкантов. На своих портретах (а их более 700) он запечатлел сам дух и очарование Англии 18 века. Фоном для героев его картин чаще всего служат прекрасные романтические ландшафты. Пейзажи, свежие и тонкие, явились первыми шагами в становлении школы пейзажной живописи 19 века.

 

4. «И гордый демон не отстанет, пока живу я, от меня» (образ Демона в творчестве Михаила Врубеля)

Русская культура издавна почиталась в западной Европе более всего как культура слова. Русская живопись же оставалась в тени литературы и музыки. Лишь в начале 20 века появилось движение, называемой сейчас «русским классическим авангардом». Имена художников-авангардистов Малевича, Кандинского, Ларионова, Поповой и других известны сейчас всему миру. У истоков же русской живописи начала 20 столетия стояло творчество М.А.Врубеля, значение которого для русского искусства сравнимо со значением Сезанна для Запада.
Подобно Гоголю, Александру Иванову, Достоевскому, он так и не создал главное свое произведение — грандиозного Демона, которого всю жизнь мечтал создать, соединив свою любовь к лирической поэзии Лермонтова и Византийскому искусству.
Все, кто знал Врубеля при жизни, задумывались о духовном родстве необыкновенного художника и великого поэта. Демон — главный образ всего поэтического и философского мира Лермонтова — станет символом и в его жизни.

 

5. Цикл «Великие алтарные композиции мира»

Сикстинская Мадонна
Этот алтарный образ — последняя из крупных работ Рафаэля, посвященных его излюбленной теме «Мадонна с младенцем».
Роль шедевра на века была суждена «Сикстинской Мадонне» с самого начала. Рафаэль, возведенный в статус «божественного» еще при жизни, создал ее в период своего наивысшего творческого расцвета. Ее происхождение покрыто тайной. Не сохранилось ни относящихся к ней документов, ни подготовительных рисунков. Казалось, картина возникла из ничего, по мановению свыше:
На протяжении столетий поэты посвящали ей стихи, художники копировали, зрители, верующие и атеисты, восторженно замирали, вглядываясь в божественный лик.
В XX веке великий алтарный образ едва не погиб во время Второй мировой войны. Десять лет вместе с другими шедеврами из коллекции Дрезденской картинной галереи картина находилась в Москве в музее им.А.С.Пушкина. Среди зрителей был писатель Василий Гроссман. Находясь под впечатлением от увиденного, он написал: «Из всего созданного кистью, резцом, пером: одна лишь эта картина Рафаэля не умрет до тех пор, пока живы люди. Но может быть, если умрут люди, иные существа, которые останутся вместо них на земле,.. будут приходить и прилетать и смотреть на Мадонну».

6. «Я всегда испытывал маленькую страсть к живописи»: Гоголь и художники

«Я почитаюсь загадкою для всех, никто не разгадал меня совершенно… В одном месте я самый тихий, скромный, учтивый, в другом — угрюмый, задумчивый, неотесанный и прочее, в третьем — болтлив и докучлив до чрезвычайности, у иных умен, у других глуп…» — так писал о себе сам Гоголь. Так же противоречивы и словесные портреты писателя, данные современниками. Часто в одно и то же время Гоголь то франт, то аскет, то розовощек и круглолиц, то желтолиц, болезнен и худ. Один только знаменитый предлинный «птичий» нос фигурирует во всех свидетельствах. Многоликость, многоличность Гоголя визуально зафиксирована художниками. Известно, однако, что сам Гоголь с неприязнью относился к широкой публикации своих изображений, преграждая по мере сил всякие их попытки. У него было вполне определенное мнение, каким должен быть портрет, и как вообще художник должен относиться к своему творчеству. В разное время Гоголь близко знал и даже дружил с Венециановым, Моллером, А.Ивановым. Художники становятся главными героями повестей «Невский проспект» и «Портрет». Примером служения искусству стала для Гоголя жизнь великого русского живописца Александра Иванова. Его черты он придает художнику, который поразил героя повести «Портрет» Чарткова своей верностью идеалу, и божественный сюжет его картины — сюжет «Явления Христа народу»… Мысли Гоголя о назначении искусства и ответственность художника за свое творение притягивали внимание многих поколений мастеров рисунка. В разное время повесть «Портрет» пробовали иллюстрировать, каждый по-своему, В.Васнецов, П.Кустодиев, А.Кравченко, Кибрик, С.Алимов, Кукрыниксы…

7. «Я прошел по той войне…» (рисунки художников-фронтовиков)

«Когда говорят пушки, музы молчат»… Эта крылатая фраза, казавшаяся неоспоримой, была опровергнута во время Великой Отечественной войны. Композиторы сочиняли музыку. кинематографисты снимали фильмы, поэты писали стихи, а в окопах на передовой работали художники, каждый в меру таланта и умения вносил свой вклад в приближение дня Победы. Словосочетание «фронтовой художник» в первую очередь вызывает в памяти большие живописные полотна, изображающие сражения, праздничные салюты. Но живопись появилась уже позже в тылу. Главным оружием фронтового художника были не краски и кисти, а обычный карандаш, типографская краска, блокнот, кусок истоптанного линолеума, да солдатская ложка. С помощью этих предметов быстро создавались и тиражировались карикатуры, листовки и целые рукописные журналы. Рисунки, сделанные на фронте, сами художники произведениями искусства не считали. Но даже самый быстрый и неказистый рисунок со временем стал драгоценным документом, запечатлевшим фронтовые будни, бережно сохранившим лица солдат давно прошедшей войны. Пыльные блокноты военных художников заполнялись не только рисунками, но и дневниковыми записями. Перелистывая их страницы, мы можем мысленно пройти дорогами войны вместе с Борисом Пророковым, Виктором Цигалем и Владимиром Цигалем, Леонидом Сайфертисом.

8.Видеокомпозиция  «ВОЙНА  И  МИР»  Л. Н. Толстого в искусстве

Отечественная война 1812г. была крупнейшим событием 19 столетия, которое так или иначе отозвалось в творчестве всех русских писателей этого века. Но самое масштабное повествование о героическом времени борьбы с наполеоновским нашествием создано Л. Толстым в его романе-эпопее «Война и мир».
Эта книга потребовала от писателя напряжения всех творческих сил. «Работаю мучительно, — писал Толстой. – Вы не можете себе представить, как мне трудна эта предварительная работа глубокой пахоты того поля, на котором я принужден сеять». С момента возникновения замысла романа и до его выхода в свет прошло 13 лет. Книга печаталась частями и читатели, ожидая продолжения, спорили, предсказывая судьбу героев, строили догадки о прототипах.
И по прошествии 140 лет книга «Война и мир» продолжает волновать читающую публику и вдохновляет мастеров искусства на создание многочисленных иллюстраций, музыкальных, театральных и кинематографических переложений. Среди них есть выдающиеся произведения, потребовавшие от их создателей, как и от автора книги многих лет «мучительной и счастливой» работы.
В программу включены сюжеты о воплощении произведения Л. Толстого в разных видах искусства. Вы узнаете с какими сложностями приходилось сталкиваться первому иллюстратору романа М. Башилову, работавшему под руководством Толстого, Д. Шмаринову, создавшему ставшие классическими образы героев «Войны и мира» в книжной графике, великому композитору С. Прокофьеву, сочинившему грандиозную по масштабу оперу, режиссерам Кингу Видору и С. Бондарчуку, снявшим лучшие кинопостановки великого произведения.

9. Искусство новой эры

Искусство не стоит на месте, постоянно двигаясь в ногу со временем. В работах художников как в зеркале отражаются все процессы, протекающие в обществе в данный отрезок времени. Каждое новое десятилетие приносит с собой новые взгляды, тенденции, техники исполнения.
С начала 2000-х наступила эра щедрых меценатов и художников — звёзд, эра искусства как роскоши и как «имиджевого проекта». Арт-сообщество захлестнула волна гигантомании. Создавались огромные инсталляции, под которые отводились цеха закрывшихся фабрик, турбинные залы. Художники представали перед публикой демиургами, создателями собственных, новых миров.  Рыночные рекорды кружили головы, породив тип художника-предпринимателя, отказавшегося от услуг галерей. Такие художники предпочитали сами  вести свои дела. Но после кризиса 2008 года пришла пора задуматься: не пора ли всё начать с нуля? Вернулся интерес к традиционным, камерным форматам.
В программе использованы слайды с произведений зарубежных и отечественных художников: Деймиана Хёрста, Такаши Мураками, Шепарда Фейри, Алексея Беляева-Гинтовта, Дмитрия Врубеля и Виктории Тимофеевой, Керима Регимова и многих других.

10. Искусство постмодернизма

 

Каждому историческому периоду соответствует свой, доминирующий в это время стиль искусства. Средневековье, например, ассоциируется с романским и готическим стилями. 17 век – с  барокко и французским классицизмом. Последняя треть 19 века прошла под знаком импрессионизма и постимпрессионизма, а первая половина 20 века – модернизма, объединившего целый ряд направлений с общей установкой на поиск новых художественных форм, и отрицание классического искусства. Но прошли годы, и сам модернизм стал классикой. На смену ему во второй половине 20 века приходит другое  культурное течение, получившее название «постмодернизм». Постмодернизм отвергает все попытки дальнейшего обновления арсенала средств искусства и стремится объединить в рамках одного произведения стили, образные мотивы и приёмы, заимствованные из  разных эпох, регионов и субкультур, обогащённых личным опытом и воспоминаниями автора. Включив в свою орбиту опыт мировой художественной культуры, постмодернисты сделали это путём шутки, гротеска, пародии, широко используя приёмы художественного цитирования, коллажа, повторения.
В программе рассказывается о зарождении постмодернизма и предлагается увлекательное путешествие по основным направлениям постмодернизма: поп-арту, концептуализму, ленд-арту, видео-арту, стрит-арту и т.д. Демонстрируются слайды современных зарубежных и отечественных художников: Джефа Кунса, Бенкси, Такаши Мураками, Вика Муница, Йинки Шонибаре, Николая Полисского, Олега Кулика, Александра Виноградова и Владимира Дубосарского и т.д.

 

11. Шедевры Эрмитажа

Государственный Эрмитаж – один из самых прославленных музеев мира. Его экспозиции занимают 400 залов и размещены в пяти музейных зданиях. В великолепных дворцах заключено около трёх миллионов экспонатов, представляющих художественную и историческую ценность. Название «Эрмитаж» переводится с французского, как «приют отшельника». Такие «эрмитажи» были популярны в 18 веке и предназначались для отдыха титулованных особ. Свой «Эрмитаж» устроила в Зимнем дворце и Екатерина II. Особой любовью императрицы пользовалась картинная галерея, на формирование которой она не жалела ни средств, ни времени, добиваясь славы «просвещённого монарха» и щедрого мецената. Датой основания Эрмитажа принято считать 1764 год, когда в Петербург прибыла первая крупная коллекция картин западноевропейских художников. Постепенно разрастаясь, картинная галерея превратилась в уникальное собрание, одно из лучших в мире. Здесь можно увидеть работы мастеров самых прославленных школ живописи. Среди шедевров, представленных в Эрмитаже, выделяются картины великих живописцев: Леонардо да Винчи, Рафаэля, Рембрандта, Рубенса, Пуссена, Гейнсборо, Моне, Ренуара и других не менее знаменитых художников.
Предлагаемая вашему вниманию программа в увлекательной форме расскажет о самых знаменитых живописных шедеврах Эрмитажа, раскроет загадки этих прославленных картин. Программа состоит из двух частей. В первой части рассказывается о западноевропейской живописи XV – первой половины XIX веков. Вторая часть познакомит вас с картинами зарубежных художников второй половины XIX- начала XX века.

12. Русские семейные праздники и обряды

Издавна обычная, наполненная заботами и трудом, жизнь людей чередовалась с днями, предназначенными для отдыха и веселья. Одни праздники были связаны с сельскохозяйственным календарём полевых работ, другие отражали цикл жизни человека.   Въезд в новый дом, создание молодой семьи, появление на свет младенца и уход из жизни сопровождались веками устоявшимися обрядами, впитавшими как языческие ритуалы, так и христианское мировоззрение. Практически все традиционные семейные праздники и обряды нашли отражение в живописи русских художников 18-21 столетий. Мельчайшие детали обстановки, костюма, поведения и эмоций людей запечатлены на хрестоматийно знаменитых и малоизвестных широкому зрителю полотнах. Особенной любовью художников во все времена пользовался свадебный обряд, обставлявшийся как театральное действо. Все его этапы, — сватовство, сговор, венчание, княжий пир, — нашли отражение в ярких произведениях отечественных художников. В программе представлены картины Константина Маковского, Бориса Кустодиева, Василия Пукирева, Павла Федотова и т.д.

13. Русские календарные праздники

Жизнь народа протекала в трудах и заботах о хлебе насущном. Важно было строго соблюдать календарные даты проведения посева и уборки урожая. Но с давних времён наряду с календарём сельскохозяйственных работ существовал и годовой цикл праздников и обрядов. Он символизировал круговорот сил природы и был тесно связан с земледельческими работами. Главные праздники цикла совпадали с периодами солнцеворота и солнцестояния. Они выражали преклонение человека перед могуществом природных стихий, и сопровождались пением, танцами, играми. В них получили отражение как языческие поверия, так и христианские традиции. В каждой области России они отличались своеобразием, оригинальностью, сохраняя при этом общие корни. Яркость и красочность народных гуляний не раз вдохновляла мастеров кисти на создание оригинальных живописных произведений. Начиная с 18 века, русские художники пишут картины, изображающие сценки из жизни народа. Особенной популярностью пользуются праздники. Рождество и Крещение, Масленица и Пасха, Троица и Ильин день, нашли отражение в произведениях Кустодиева, Сурикова, Константина Маковского, Аполинария Васнецова, Семирадского, Крамского, Рябушкина и т.д. Их произведения позволяют нам окунуться в атмосферу безудержного веселья девичьих хороводов и торжественного благочестия праздничных церковных обрядов.

14. Государственный Русский музей в Петербурге

Невозможно сказать точно, когда и у кого впервые возникла мысль о создании русского национального музея. Ещё при Петре I в Кунсткамеру попадали некоторые произведения русских живописцев, а Екатерина II выделила под коллекцию картин отечественных художников два зала в Эрмитаже.
Создавать собрания русской живописи пытались и коллекционеры-любители. Но справиться с такой задачей в одиночку было невозможно. Исключением стала коллекция картин братьев Третьяковых, преобразованная в 1893 году в Московскую художественную галерею, всеми сейчас любимую «Третьяковку».
Столичный Петербург не желал ни в чём уступать Москве. Император Александр III, страстный поклонник всего русского, тоже начал собирать коллекцию русской живописи. У него возникла мысль создать музей, который бы соответствовал знаменитой триаде «Православие, самодержавие, народность». 13 апреля 1895 года царский курьер доставил в Сенат пакет, в котором содержался высочайший указ об учреждении в Михайловском дворце «Русского музея императора Александра III».
С самого начала там появились такие знаковые для русского искусства картины как «Последний день Помпеи» Карла Брюллова, «Девятый вал» Ивана Айвазовского, «Сватовство майора» Павла Федотова, «Запорожцы, пишущие письмо турецкому султану» Ильи Репина. На протяжении последующих лет фонды музея продолжали пополняться шедеврами русской живописи.
В 2015 году Русскому музею исполнилось 120 лет. Все эти годы любители искусства приходили сюда для того, чтобы увидеть знакомые с детства картины и познакомиться с теми полотнами, которых раньше не знали. Только внимательному зрителю произведения искусства раскроют хитросплетение сюжета, выдадут тайны, связанные с именами людей, изображённых на них, познакомят с историей создания шедевра художником. Некоторые из этих историй легли в основу программы, которую мы предлагаем вашему вниманию.

Заявки принимаются в отделе литературы по искусству
Национальной библиотеки им. С.Г. Чавайна
(каб. N 36, 2-й этаж) и по телефону 56-61-49

Все программы разработала и проводит
библиотекарь Национальной библиотеки им. Чавайна
Сокольникова Ольга Александровна

Русский